Novedades del 6to MIAx que arranca el miércoles 7 de Febrero

Finalmente se conoce el jurado de esta 6ta edicion del Festival de cine Independiente MIAX y algunas de las actividades que podran disfrutar los hermanos mexicanos. Mas información: http://www.miax.com.mx/

JURADO INTERNACIONAL DE MIAX 2018:

En días llega la inauguración de 8to MIAX de Xalisco

GUADALAJARA LA CIUDAD QUE FOMENTA EL CINE INDEPENDIENTE¨

El festival contará con un programa muy completo, incluyendo conferencias, música, foros, premiaciones y por supuesto la exhibición de los trabajos seleccionados. Los cortometrajes serán exhibidos de forma gratuita en sedes como el Instituto Cultural Cabañas, Casa Museo López Portillo; mientras que los largometrajes tendrán costo y podrán verlos en Cineforo y Cinépolis Centro Magno.

Mas información: http://www.miax.com.mx/

MAR DE CINE: FUNCIONES DE FEBRERO

MAR DE CINE:

FUNCIONES DE FEBRERO

“Mario on tour”, “27: el club de los malditos” y “Al desierto” formarán parte del ciclo de funciones de cine, gratis y al aire libre, en Mar del Plata.

Buenos Aires, 30 de enero de 2018.- Mar de Cine, el ciclo de funciones gratuitas y al aire libre de cine argentino, que organiza el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), anuncia las primeras funciones de febrero.

Presentadas por sus protagonistas y sus realizadores, las proyecciones tendrán lugar en el Espacio Clarín (Alberti 1242, Mar del Plata), donde se realizaron las tres primeras funciones a sala llena de “Corralón”, “Yo soy así: Tita de Buenos Aires” y “Adiós, querido Pep”.

El primer jueves de febrero, a las 20.30, se podrá ver “Mario on tour”, la película escrita y dirigida por Pablo Stigliani, que será presentada por su protagonista, Mike Amigorena. En ella, se cuenta la historia de Mario, quien tuvo todo para triunfar en la música pero fracasó. Hoy se gana la vida cantando canciones de Sandro en despedidas de solteras, casamientos y cumpleaños. En su última gira encontrará el éxito que siempre soñó. El elenco se completa con Rafael Spregelburd, Ale Sergi, Iair Said, Román Almaráz y Leonora Balcarce.

La segunda función del mes será con “27: El Club de los Malditos”, que se realizará el miércoles 7 de febrero, a las 20.30, y contará con la presencia de Nai Awada. Dirigida por Nicanor Loreti, está protagonizada también por Diego Capusotto y Sofía Gala.

El miércoles 14 de febrero será el turno de “Al desierto”, de Ulises Rosell, que será presentada por su protagonista, Valentina Bassi. La película participó de la Competencia Argentina en la 32ª edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

La segunda parte de la grilla de febrero, para las funciones del 21 y el 28 de febrero, serán anunciadas en los próximos días.

Mar de Cine se realiza todos los miércoles de enero y febrero (con excepción de la función de Mario on tour), a las 20.30, con la presencia de los actores y directores que las realizaron. De esta manera, el INCAA busca fomentar el cine argentino todo el año en la ciudad en la que se lleva a cabo el único Festival Internacional de Cine calificado con la categoría Clase A en Latinoamérica, el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, que en su última edición, en noviembre pasado, tuvo más de 140 mil espectadores.

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PuroVoltajeFICCI58 con el Tributo a la actriz TILDA SWINTON (28 Feb - 05 Mar)

ributo a la actriz Tilda Swinton en el FICCI 58

Mucho más que una musa, la actriz londinense de ascendencia escocesa Tilda Swinton ha sido parte constitutiva del acto creativo para directores de la talla de Jim Jarmusch, Béla Tarr, Wes Anderson, Érick Zonka, Sally Potter o Derek Jarman. El cuerpo –instrumento principal de trabajo de un actor– en el caso de Tilda parece por momentos levitar, sin perturbar el mundo con su peso. Sus más de 50 películas han abarcado casi todos los géneros, con una encantadora particularidad. Once de las producciones donde ella ha sido actriz –y eventualmente codirectora– harán parte del tributo que el 58 Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias –FICCI- le ofrece; también participará en un conversatorio en Salón FICCI.


Foto: Brigitte Lacombe

En sus años como estudiante de Literatura Inglesa, Tilda Swinton comenzó a interesarse por el mundo de la interpretación, especialmente por el teatro, lo que le permitió formar parte de la Royal Shakespeare Company. Su carrera en el cine comenzó de la mano de Derek Jarman, en Caravaggio(1986), película con la que empezó una fructífera colaboración con este vanguardista artista y director.

Como ella misma lo dijo en 2014, su mirada como actriz podría remontarse a la forma en que se veía a sí misma como una especie de representación de los retratos de sus antepasados: siempre recortada en algo más que una individualidad. Pero la representación en Tilda Swinton va mucho más allá del lugar común de ser otro: es ser ella misma a través de otros. Figura etérea y fluida que puede ser muchas cosas; su capacidad de transformación gravita sutil y a veces radicalmente en cada uno de sus personajes. Tilda redefine las ideas de lo femenino, no solo por roles como los de Orlando(1992) de Sally Potter, sino por su presencia misma, indefinible. Una, que da otra perspectiva a esa hiper-sexualidad que enmarca los ideales de belleza establecidos, esos que en Swinton adquieren un carácter misterioso.

Ganadora del Oscar en 2008 por su papel secundario en Michael Clayton de Tony Gilroy, su carisma podría resumirse en el amor con el cual es filmada por Jim Jarmusch en Only Lovers Left Alive (2013), en una secuencia memorable que gira sobre el personaje y su forma de habitar el plano, y que parecería hablar más de la actriz que de su personaje.

La presencia de Tilda Swinton en el FICCI 58 será posible gracias al British Council y Cine Colombia. Su potencia como actriz podrá verse en las siguientes producciones:

Egomania - Island Without Hope (1986) Director: Christoph Schlingensief Las manías del ego y sus demonios son como islas desoladas, van entre el infierno del desamor y la monstruosa presencia de nuestros deseos más profundos. En este film barroco e inclasificable Tilda Swinton y Udo Kier divagan por un paisaje así de post apocalíptico. Filmada en los mares del norte, entre grandes bloques de hielo, Egomaniasigue a una joven pareja atrapada en una isla gobernada por un barón cuasi vampiresco que se hace llamar “la tía del diablo”. Su amor es amenazado por una serie de personajes de cualidades mitológicas que los persiguen y los desean, siempre separándolos. La película limita con lo absurdo, y juega con las formas visuales y sonoras de manera provocativa, llevándola a los terrenos del horror, el drama romántico y el video musical, por medio de la exploración incesante de una serie de imágenes y escenas en las cuales las fuerzas del mal y del bien pelean continuamente. Todo esto, junto a una propuesta sonora y musical extravagante y llena de referencias a la cultura popular, nos da a entender –como dice uno de los personajes– que “no habrá un final diferente del mundo: luchas implacables llenas de odio y amor por el incesto y la riqueza”.

The Last of England (1987) Director: Derek Jarman Apocalíptica pero a la vez lírica visión de una Inglaterra que se desbarranca en el caos, entre la represión homofóbica y el totalitarismo. The Last of England está armada como un vibrante collage de materiales de distinta procedencia: películas domésticas del abuelo y el padre de Jarman que remiten a décadas pasadas y registros contemporáneos de decadencia urbana en una especie de distopía posindustrial, que exacerba los gestos de resistencia en medio de la debacle social provocada por el thatcherismo. Jarman, quien al momento de realizar la película había sido diagnosticado como VIH positivo, exuda rabia y desesperación, en la que es tal vez su película más radical. Es emblemática la actuación de Tilda Swinton como una derviche giratoria enloquecida. No obstante, The Last of England es imposible de describir en los términos de una historia o un argumento. Jarman ejecuta un poema visual, una obra de múltiples capas y referencias, desde la pintura de Caravaggio hasta la tragedia griega (sin dejar de lado "The Waste Land", de T.S. Eliot), y nos entrega un complejo entramado de relaciones que interpelan al espectador política, estética y espiritualmente.

The Garden (1990) Director: Derek Jarman Derek Jarman es indiscutiblemente uno de los cineastas europeos más controvertidos, atrevidos y personales de los últimos tiempos. The Garden, es una prueba clara del por qué. Rodada en múltiples formatos, desde el video a 8mm, la película es una sucesión de imágenes, una composición profundamente lírica que apela a todos y cada uno de los sentidos y que, de manera no lineal o no narrativa hace una libre interpretación de la pasión de Jesucristo, la traición, el calvario…personificándola a través del sufrimiento de una pareja gay. Tilda Swinton, con su presencia lánguida y casi que etérea, encaja a la perfección en este universo onírico, sonoro y profundamente visual en el que, entre visiones, espejismos, sexo, sadismo y religión, Jarman nos propone, a modo de viacrucis, un irreverente e inolvidable descenso a los infiernos.

Edward II (1991) Director: Derek Jarman Inspirado en la obra homónima de Christopher Marlowe, de finales del siglo XVI, Derek Jarman construye un suntuoso relato sin límites temporales sobre el rey Eduardo II, quien por culpa de su amorío homosexual con Piers Gaveston, un hombre nacido sin títulos nobiliarios, perdió el favor de su corte, su ejército y su reina Isabela (Tilda Swinton). Una historia que transcurre entre la época isabelina y la modernidad del siglo XX, y que ofrece una representación explícita y provocativa de la homosexualidad, al tiempo que lamenta su persecución histórica. Iluminados como porcelanas: sublimes, tenaces y quebradizos, los actores llenan con fuerza la pantalla en la representación de un trágico mundo, sin héroes ni gloria, donde incluso el noble rey se convertirá en un sanguinario asesino. Tilda Swinton da vida a una reina que, sumida en una pena y un odio profundos, terminará ejerciendo una vampírica tiranía. Anacronismos visuales, vestimentas modernas, activistas gay contemporáneos enfrentándose a la policía, entre otros elementos de la desbordante imaginería de Jarman, trazan conexiones sugerentes entre la homofobia del pasado y la actual, en plena época de reivindicaciones políticas LGBTI.

Orlando (1992) Directora: Sally Potter   Orlando es él y es ella, o quizás es ella (Tilda Swinton) y es él… Un ser que navega contra corriente desde la Inglaterra barroca del siglo XVII hasta el siglo XX en busca de su propia identidad. Nacido en unos tiempos en que eso de lo cisgénero no importaba demasiado porque los hombres de la nobleza lucían “afeminados”, usaban aretes, tacones y faldas, con la misma naturalidad con la que se enfundaban la espada y hacían la guerra, Orlando atraviesa los siglos como Sir o como Lady tratando de encontrarse a sí mismo a través de la poesía, la política y por supuesto el amor. Cuestiones como la maternidad, la herencia en una sociedad donde todo era para los primogénitos, la libertad de espíritu, la vida y la muerte… Asuntos que, en últimas, nos definen como seres humanos por encima del binario esquema tradicional hombre-mujer, son los que recoge esta bella película basada en la obra homónima de la revolucionaria Virginia Woolf. Como en la novela, la forma es tan importante o más que el fondo. De ahí el trabajo de arte tan grandilocuente como exquisito y la delicadeza de la fotografía y las atmósferas en las que transcurre la película. Un filme profundamente moderno en el que Tilda Swinton es la estrella indiscutible.

Love is the Devil: Study for A Portrait of Francis Bacon (1998) Director: John Maybury Si nos atenemos a aquello tan trillado de que toda obra es, en parte, el reflejo del alma del artista, entonces Francis Bacon era un hombre atormentado para quienes las personas eran poco más que un envoltorio de carne que en cualquier momento sangra y se pudre hasta desvanecerse. Pero incluso en el horror, y en el dolor, hay belleza. Demonios, autodestrucción y un deseo malsano de arrastrar en esa espiral sin salida a quienes nos rodean. Y es que el amor es el demonio, y quizás por eso, el artista busca de manera incesante, casi que enfermiza, la ternura y el amor, aun a sabiendas de que la rutina será demoledora, y que el destino de toda flor, una vez cortada, es la muerte. La obra de Bacon (hoy cotizado entre los más caros del mundo) tiene un trazo tan fuerte como su carisma. En cada uno de sus retratos asoman las cicatrices, el peso del pasado, el horror y la estrecha relación entre el amor, el deseo y la muerte; de la misma manera que asoman en la película. Y es que el filme juega a deformar las figuras en una clara traslación a la pantalla de su obra, para ofrecernos, más que una película, una experiencia plástica. Pero no es un Bacon, es Bacon mismo.

The Man From London (2007) Directores: Béla Tarr, Ágnes Hranitzky El universo fílmico de Béla Tarr es uno de los acontecimientos cinematográficos más importantes de los últimos 30 años, y si de iniciarse en su filmografía se trata ninguna película es mejor que The Man from London. La poética de Tarr es dominada por una imagen: un paisaje incoloro, fangoso, lleno de construcciones en decadencia erosionadas por la lluvia: la imagen más perfecta del final de los tiempos. Pero esa imagen nunca va sola, siempre se desdobla en otra: la de un hombre solitario que observa ese paisaje (la nada) desde su ventana, esperando que algo acontezca. Esa espera es el producto de una promesa (¿esperanza?) siempre incumplida. The Man from London es la película más reflexiva de Tarr, pues hace de esa imagen su tema. Esta adaptación de la novela de Simenon, podría describirse como un feliz encuentro entre La ventana indiscreta de Hitchcock y "Crimen y castigo" de Dostoievski, dando como síntesis algo que bien puede expresarse con el aforismo de Nietzsche: «Quien con monstruos lucha cuide de no convertirse a su vez en monstruo. Cuando miras largo tiempo a un abismo, el abismo también mira dentro de ti.»

Michael Clayton (2007) Director: Tony Gilroy   La ópera prima de Tony Gilroy, es un absorbente thriller- denuncia con el que Tilda Swinton ganó el premio Óscar como mejor actriz de reparto. Michael Clayton (George Clooney) trabaja para una de las más prestigiosas firmas de abogados del mundo. Pero no litiga, él es un limpiador, el que hace el trabajo sucio para los clientes más importantes o ayuda a enmendar las cosas de la manera que sea cuando la situación lo requiere. Ahora, su gran amigo y mentor está siendo vigilado y perseguido por la corporación. El motivo: quiere volverse en contra de uno de sus principales clientes, U North, por un químico que ha demostrado efectos perniciosos. La cara visible de U North es Karen Crowder, recién ascendida, una mujer despiadada y sin escrúpulos que hará cualquier cosa por afianzarse en su cargo y seguir escalando posiciones. Una aclamadísima película que tuvo 7 nominaciones a los Óscar.

Only Lovers Left Alive (2013) Director: Jim Jarmusch La corporalidad de Tilda Swinton, ese aspecto lánguido y pálido, casi hetéreo, la hacen físicamente perfecta para este papel. La magistralidad con la que actúa, hace el resto y convierte a Eve, esta vampiresa del siglo XXI, en un personaje de aspecto mitológico que transita los siglos con una sola constante: Adam, su único y verdadero amor. Con su sello genial e indiscutible, Jarmusch nos presentan a unos vampiros que, dado los tiempos que corren (los pesticidas y químicos que usamos en ropas, drogas y comidas, la contaminación, los antibióticos y ese larguísimo etcétera), ya no pueden ir por ahí mordiendo a quien sea, así que deben adaptarse a buscar las muestras más puras del vital líquido en laboratorios clínicos. Pero Adam y Eve son diferentes. Adam está atormentado por lo que los “zombies” han hecho del mundo, mientras que ella, más sabia, más vieja y más sosegada, solo encuentra la razón en la creación artística de los hombres, esos mismos a quienes ama y evita, tanto como a su querido Adam. Este viaje entre la Detroit deshabitada y sumida en la más profunda depresión humana, económica y social, y la fascinante e imbricada Tánger, es ante todo un viaje ético y estético, que nos deja una agridulce pregunta: ¿Sobreviven solo los amantes… o el amor?

The Seasons in Quincy: Four Portraits of John Berger (2016) Directores: Tilda Swinton, Bartek Dziadosz, Colin MacCabe, Christopher Roth John Berger (1920 – 2017) fue uno de los pensadores (escritor y crítico) británicos más emblemáticos del siglo XX. Desde 1973, este marxista declarado, se instaló en un pequeño pueblo de los Alpes. Allí, pocos meses antes de su muerte, van a visitarlo algunos de sus amigos más cercanos, entre ellos Tilda Swinton, para construir este íntimo y formidable documental que se desarrolla en “cuatro actos” acordes a las cuatro estaciones de un año que van transformando el paisaje francés. La familia, el arte, la vida misma y por supuesto la política, son algunos de los temas sobre los que, con su especial magnetismo de contador de historias, como le gustaba definirse, conversará Berger con sus invitados. Un emotivo relato en el que palabra e imagen asumen roles igualmente protagónicos. Un homenaje a un hombre insustituible que marcó la vida de varias generaciones, entre ellas la de Tilda Swinton, con quien cimentó una amistad cómplice de más de dos décadas.

Derek (2008) Directores: Isaac Julien, Bernard Rose Una película que involucra a valientes e innovadores artistas en un viaje iluminador por el trabajo y la duradera influencia del cineasta Derek Jarman, amigo de Tilda Swinton y con quien la actriz desarrollló una larga colaboración.

Tributo a MARIBEL VERDÚ, la actriz más nominada en los Premios Goya (28 Feb - 05 Mar)

El FICCI 58 ofrecerá un tributo a la española Maribel Verdú

La actriz más nominada en la historia a los Premios Goya, es reconocida por una carrera artística enmarcada en la versatilidad de sus interpretaciones que suman más de cinco decenas de películas. Sensual, sumisa, perversa, glamurosa, vulgar, sirvienta, noble, plebeya, todos los registros parecen posibles para ella. Cinco de sus películas harán parte del FICCI 58. Su autenticidad y temple como artista se podrá disfrutar también en un conversatorio durante el Salón FICCI.


Foto: hola.com

Maribel Verdú nació en Madrid en 1970. Debutó en el mundo del cine con tan solo 13 años en la serie de televisión La huella del crimen, de la mano de Vicente Aranda. Tras varias actuaciones, fue precisamente Vicente Aranda quien, en Amantes (1991), le dio el papel que la consolidó profesionalmente y le abrió el camino de las nominaciones a los premios Goya, el cual ya ha recorrido más de diez veces.

Reconocimientos ha recogido muchos, entre ellos el Ariel como Mejor Actriz en el año 2006 por su memorable actuación en El laberinto del Fauno, del hoy nominado al Oscar, Guillermo del Toro; el Goya a Mejor Actriz Principal por Siete mesas de billar francés (2007) de Gracia Querejeta, premio que repetiría en 2013 por Blancanieves de Pablo Berger, en la que personificó a una envidiosa, codiciosa y despiadada bruja, que no duda en hacer lo que sea para lograr la riqueza y la fama con las que sueña desde sus tiempos de enfermera.

Aparte de los mencionados, directores como Ricardo Franco (La buena estrella, 1997), Alfonso Cuarón (Y tu mamá también, 2001), Fernando Trueba (Belle Époque, 1992, Óscar a Mejor Película Extranjera), o el mismísimo Francis Ford Coppola (Tetro, 2009), no han dudado en contar con el talento y el profesionalismo de una actriz carismática como pocas que, más allá del cine y sobre todo en los últimps años, ha actuado para series de televisión y web y por supuesto en el teatro.

Maribel Verdú estará presente en el FICCI 58 gracias al apoyo del Foco Cultura España-Colombia y Acción Cultural Española (AC/E), con las siguientes producciones:

AMANTES (1991) Director: Vicente Aranda   España. Tras la guerra civil, la escasez y la austeridad dominan la vida de los habitantes de Madrid. Trini (Maribel Verdú) trabaja como interna en una casa. Paco (Jorge Sanz), su novio desde hace unos años y con quien mantiene una relación recatada y sin sexo, llega a Madrid recién terminado el servicio militar en busca de trabajo. En el camino de ambos se interpondrá Luisa (Victoria Abril), una bella e impúdica viuda con mucho mundo y dedicada a las estafas, a cuya casa irá a hospedarse Paco. Basada en hechos reales, Vicente Aranda narra con maestría este laberinto de pasiones en medio de la doble moral y los dificilísimos tiempos de la España de la posguerra, en el que la tragedia será el único final posible. Un trío de actores de lujo del cine ibérico, para un clásico del cine español.

LA BUENA ESTRELLA (1997) Director: Ricardo Franco Marina, la Tuerta (Maribel Verdú), es una prostituta embarazada que un día tiene el golpe de suerte de su vida. Cuando está siendo maltratada en mitad de la noche madrileña por Daniel (Jordi Mollà), su amigo y amante, un carnicero (Antonio Resines), pasa con su camioneta y la recoge. Desde ese momento comenzarán una vida juntos. Nacerá Estrella y vivirán días felices de aparente normalidad en familia hasta que Daniel reaparece al salir de la cárcel. La buena estrella tiene ese trasfondo de cenicienta redimida, pero va mucho más allá. Es una película dolorosa y profundamente bella que nos habla del amor incondicional, ese que está por encima de las convenciones y de cualquier otra cosa, y de lo difícil que puede resultar en la vida tomar las decisiones que nos dicta el corazón, por encima de las que toda lógica pareciera querer imponernos. Con cinco premios Goya, esta es para muchos la mejor película de Ricardo Franco.

Y TU MAMÁ TAMBIÉN (2001) Director: Alfonso Cuarón La amistad de Julio (Gael García Bernal) y Tenoch (Diego Luna) está por encima de cualquier cosa. Junto con un grupo de amigos, han formado la sociedad de los charolastras, y tienen sus propias normas en forma de manifiesto. Escasamente salen de la adolescencia por lo que todos los excesos, principalmente aquellos provocados por la testosterona, dominan casi todos sus actos y pensamientos. Cuando en una boda conocen a Luisa (Maribel Verdú), deciden emprender con ella un viaje hacia la playa. En el camino lleno de “paréntesis” en formas de voz en off con reflexiones sobre el México del momento, se van revelando secretos y dando rienda suelta a las pasiones. Sensual y cargada de desnudos y erotismo y con una fotografía con el sello propio del multi oscarizado Emmanuel Lubezki, Y tu mamá también, mejor guion en Venecia y nominada a mejor guion original en los Oscar, supuso el catapultamiento de Alfonso Cuarón hacia su actual y exitosa carrera en Hollywood.

EL LABERINTO DEL FAUNO (2006) Director: Guillermo del Toro Año 1944. Ofelia, una joven adolescente amante de la lectura, viaja con su madre al cuartel militar desde donde las tropas franquistas combaten a los últimos reductos de la guerrilla republicana. Allí las espera el capitán Vidal, el padrastro de Ofelia, de quien su madre está embarazada. Desde su llegada, el mundo de las hadas y los faunos toma vida para ponerla a prueba y saber si ella es la verdadera princesa perdida de un mágico mundo subterráneo. En el mundo diurno, el de lo real, será el ama de llaves del cruel capitán, Mercedes (Maribel Verdú), quien en secreto ayuda a los guerrilleros, la cómplice y única amiga de Ofelia tras la muerte de su madre durante el parto. El laberinto del fauno es mucho más que la película que consagró a Guillermo del Toro (6 nominaciones a los Óscar y tres estatuillas: mejor maquillaje, fotografía y dirección artística), es un extraordinario y apasionante cuento de hadas. Una película mágica, de una potencia visual impactante, que lleva al terreno de la imaginación de una niña el drama de la guerra civil española.

BLANCANIEVES (2012) Director: Pablo Berger Pablo Berger reinventa, sobre el clásico mil veces contado de los Hermanos Grimm, una fábula envolvente y única. Tras la factura del más clásico de los cines silentes, por supuesto en blanco y negro y con una banda sonora brillante, Berger reconstruye la vieja historia de la bruja, la niña desamparada, los enanos y la manzana envenenada, en la Sevilla de los años 20 y en medio del glamour y la sofisticación de las mantillas y los bordados, los toreros y los cortijos andaluces. Envidiosa, codiciosa y despiadada, Maribel Verdú brilla con luz propia, como la bruja malvada de la historia que no duda en hacer lo que sea para lograr la riqueza y la fama con las que sueña desde sus tiempos de enfermera. 10 premios Goya, incluyendo mejor película y actriz para Maribel Verdú, premio especial del jurado en San Sebastián, Ariel a la mejor película iberoamericana… La lista de premios es más que amplia para esta película visual y estéticamente inolvidable.

Confirmado ESTRENO en Colombia el 25 Ene - Dir Miguel Salazar

Confirmada la fecha de estreno de Ciro & yo. El próximo 25 de enero se estrenará la película Ciro & Yo, un documental de Miguel Salazar que resume la historia de Colombia a partir de la vida de Ciro Galindo, un colombiano perseguido por la violencia y que después de sesenta años de huir de la guerra sueña con vivir en paz.     Ciro Galindo nació en Colombia, el 29 de agosto de 1952. Como tantos colombianos, es un sobreviviente que después de sesenta años de huir de la guerra, sueña con vivir en paz. Este documental, con la mirada de Miguel Salazar, narra el viaje de Ciro al encuentro con su pasado, en la búsqueda por rearmar su vida y construir un futuro para él y su hijo. Es un viaje a la memoria para darle voz a las víctimas y palabras al dolor; un viaje, como el de Colombia en tiempos de paz, en busca de recuperar su dignidad. Sobre Ciro & Yo, Miguel Salazar recuerda: "en diciembre de 1996, durante un viaje que hice a tomar fotos a Caño Cristales en la Serranía de La Macarena, mi guía de 14 años, John Galindo, se ahogó frente a mí. En la noche, sin saber cómo decirlo, le conté a su padre, Ciro, que su hijo se había ahogado. Todo lo que pasó ese día, el destino refrendó con una amistad que hoy continúa. A donde quiera que Ciro ha ido, la guerra lo ha encontrado: sus hijos reclutados por los ejércitos de la guerra; desplazado en repetidas ocasiones; su esposa Anita, una indígena que murió de tristeza. Ajeno al sistema, pero víctima del sistema, Ciro ha liderado una heroica lucha anónima por vivir la vida bajo sus propios términos".     La historia de Ciro es la radiografía de muchas familias colombianas que se han visto envueltas en una guerra que nunca han entendido y de la que jamás quisieron hacer parte, una guerra confusa que les ha arrebatado su tranquilidad y a sus seres más queridos condenándolos a una perpetua zozobra. "Hoy, cuando el compromiso del gobierno con la implementación de los acuerdos firmados es tan leve, tan poco sustancial y tan desinteresado, y cuándo escucho a las FARC negar su papel en la comisión de tantos delitos atroces recurriendo al cinismo como su nueva arma para hacer política, llego a la conclusión de que sólo las víctimas se mantuvieron honestas a lo largo de toda esta historia. Ciro & Yo es un documental que, queriéndolo o no, se constituye en un gran homenaje a la coherencia, la honestidad y el sacrifico de las víctimas de esta guerra", aseguró Sandra Borda, Revista Arcadia. El equipo técnico del documental fue liderado por Miguel Salazar en la dirección, guion y fotografía, la producción también estuvo a su cargo junto a Catalina Vela; Camilo Sanabria en la música; Carolina Ortiz en el diseño sonoro; Andrés Porras en el montaje; Ciro y Esneider Galindo como protagonistas principales.     Acerca del director Miguel Salazar nació en Bogotá. Es historiador de la Universidad de los Andes, con una maestría en producción y dirección de cine y televisión de la Universidad de Nueva York (NYU). Ha trabajado como director y productor de cuatro largos documentales: Carta a una sombra (2015) ganador del Premio del Público Club Colombia y el Premio Especial del Jurado en la Competencia Oficial Colombia del Festival Internacional de Cine de Cartagena -FICCI-; El caso Nule (2012) especial para RCN TV, nominado a los premios India Catalina como Mejor Documental. Codirector y coproductor del largometraje La Toma (2011), participante en los festivales de Cartagena, Human Rights Watch y Mar del Plata. Codirector, coproductor y fotógrafo del largo documental Robatierra (2009), apoyado por el Sundance Documentary Fund y elegido como Mejor Documental del Sur en el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano en La Habana. También es director y productor del cortometraje Martillo (2005), Mejor Cortometraje Ficción en el Festival de Cine de Kiev y el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias. Por otro lado, ha sido fotógrafo de los libros Colombia Panorámica (1997) y Colombia 360º Ciudades y Pueblos (2006) editados por Villegas Editores. Toda la fuerza y honestidad de Ciro & yo llegará a las salas de cine el próximo 25 de enero.

BALANCE DEL CINE ARGENTINO EN 2017

BALANCE DEL CINE

ARGENTINO EN 2017

 

En 2017, más de 6 millones de espectadores eligieron cine argentino. “Mamá se fue de viaje”, de Ariel Winograd, fue la película argentina más vista del año. CINE.AR Play alcanzó las cuatro millones de reproducciones.

 

Buenos Aires, 26 de diciembre de 2017.- El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) informa las estadísticas de 2017, en cantidad de espectadores totales y del cine argentino.

Entre el 1 de enero y el 20 de diciembre de este año, el cine tuvo 48.454.559 espectadores, de los cuales 6.263.758 eligieron cine argentino, según datos de la Gerencia de Fiscalizaciones del INCAA. La recaudación total asciende a $ 4.675.754.708, un 18.29% más que igual período de 2016 ($ 3.952.558.674).

Este año se estrenaron 187 películas argentinas. “Mamá se fue de viaje”, de Ariel Winograd, fue la producción nacional más vista del año, con 1.702.904 entradas vendidas; seguida por “El fútbol o yo”, de Marcos Carnevale, con 1.094.812 y “Nieve negra”, de Martín Hodara, con 712.833.

En tanto que los tres films internacionales más vistos son “Mi villano favorito 3”, de Pierre Coffin y Kyle Balda (3.870.437); “Rápidos y furiosos 8”, de Felix Gary Gray (2.745.900) y “La bella y la bestia”, de Bill Condon (2.078.692).

El mejor período para el cine nacional se registró durante “La semana del Cine Argentino”, del 1 al 4 de octubre, en el que 270.000 espectadores eligieron producciones nacionales, que ocuparon 85 de las 168 pantallas de complejos o salas de cine de nuestro país.

En CINE.AR Play, la plataforma de video a demanda desarrollada por el INCAA y ARSAT, alcanzó en 2017 los 800.000 usuarios totales, quienes realizaron un total de 4.513.093 visitas al sitio web, en donde se superaron las cuatro millones de visualizaciones.

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CICLO INFANTIL EN EL CINE GAUMONT

CICLO INFANTIL

EN EL CINE GAUMONT

Durante todas las tardes de enero en el Cine Gaumont se proyectarán films infantiles. “Mamá se fue de viaje”, “Mi mamá lora”, “Anina” y “Anida, el mago y el circo flotante” fueron las elegidas para la semana inaugural.

Buenos Aires, 3 de enero de 2018. El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) realizará durante enero un ciclo con películas dirigidas al público infantil, en la Sala 1 del Espacio INCAA Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635), con entrada a 30 pesos.

Durante esta primer semana, del jueves 4 al miércoles 10 de enero, las películas programadas son “Mamá se fue de viaje”, de Ariel Winograd (13:30 y 19:30), “Mi mamá lora”, de Martín Musarra (15:15), “Anina” de Alfredo Soderguit (16:45) y “Anida, el mago y el circo flotante”, de Liliana Romero (18:10).

“Mamá se fue de viaje” (2017). Completamente absorbido por su actividad laboral, Víctor vive ajeno a los avatares diarios de su mujer y sus hijos. Vera, agobiada de dedicarse full time a la vida doméstica sin la ayuda de su marido, decide tomarse vacaciones de su familia. Es así que Víctor se ve obligado a ponerse al mando de la casa. Casi de inmediato, el caos se expande como una plaga.

“Mi mamá lora” (2016). En el litoral argentino, Juana descubre que los miembros de su familia pueden convertirse en animales. La niña se da cuenta de este don el día en que a su mamá, transformada en una lora, le quedan 72 horas para recuperar la forma humana. Juana intenta rescatar a "Mamalora” de los problemas en los que se mete y de la amenaza de un personaje misterioso.

“Anina” (2013). Anina Yatay Salas es una niña de diez años. Su nombre es un palíndromo que provoca las risas, en particular de Yisel, con quien se trenza en una pelea a la hora del recreo. Este incidente termina con una sanción para a las niñas. Anina recibe el castigo dentro de un sobre negro cerrado que no puede abrir hasta una semana después. Para Anina, entender el contenido del sobre se transforma, sin que ella lo sepa, en entender el mundo y su lugar en él.

“Anida, el mago y el circo flotante” (2017). Anida es una joven artista que vive dentro de un circo flotante, que puede leer en las manos de las personas el futuro. Pero carga con terrible hechizo, no puede ver su propio pasado. El circo esta bajo el mando de Madame Justine, quien no deja salir nadie de sus dominios. Un sueño de libertad va a hacer que Anida encuentre su camino y descubra el secreto que cierra una historia con la magia de los mejores cuentos.

La programación especial se mantendrá durante el mes de enero, en el que semana a semana se incorporarán además otras películas.

 

INCAA / INSTITUTO NACIONAL DE CINE Y ARTES AUDIOVISUALES

14º Encuentro de Coproducción /// 14 Co-production Meeting. Cierre próximo / Closing Soon

Para más información escribe a /// For more information please write to: angelica.lares@ficg.mx 

EL INCAA Y LA MUNICIPALIDAD

DE PINAMAR ANUNCIAN EL

NUEVO FESTIVAL BLOOD WINDOW PINAMAR

 

La edición de presentación del festival de cine fantástico será del 29 de marzo al 1 de abril de 2018 y tendrá un homenaje especial por el 50º aniversario del Festival de Sitges, el más importante del cine de género fantástico en el mundo.

 

Buenos Aires, 30 de noviembre de 2017.- El presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Ralph Haiek, y el intendente de Pinamar, Martín Yeza, anunciaron hoy que realizarán conjuntamente a partir de 2018 el festival Blood Window Pinamar, que reunirá lo mejor del cine fantástico latinoamericano y del mundo. En su edición presentación, que se llevará a cabo en esa ciudad balnearia del 29 de marzo al 1° de abril de 2018, homenajeará al Sitges Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya, en su 50° aniversario.

 

El anuncio se hizo en el marco de Ventana Sur 2017, el mercado de cine latinoamericano organizado entre el INCAA y el Marché du Film/ Festival de Cannes, con el apoyo de Europa Creativa. “Apostamos por el cine fantástico, un género que crece en talento y producción en nuestro país. Queremos un festival que apunte al público joven y familiar de Pinamar y sabemos que el camino recorrido con Blood Window es una garantía en ese sentido”, dijo Haiek.

 

Por su parte, Yeza sostuvo que: “Estamos muy satisfechos con la decisión de traer el cine argentino del siglo XXI en una propuesta que pueda darle visibilidad al talento para que el público pueda disfrutar cada vez más de nuestra ciudad”.

 

“Tomamos este proyecto con mucha ilusión —dijo a su vez el Director General de la Fundación que organiza el Festival de Sitges, Xavier Duran, también presente en la reunión, a la que también asistieron Mónica García Massagué, subdirectora de la Fundación; Mike Hostench, subdirector del Festival y Diego López, miembro del comité de programación—. Cumplir cincuenta años nos da la madurez para encarar proyectos internacionales y estamos muy entusiasmados con la posibilidad de hacerlo de la mano del INCAA”.